Logo GenDocs.ru

Поиск по сайту:  

Загрузка...

Реферат - Сочетание традиционного и актуального в современном японском дизайне - файл 1.doc


Реферат - Сочетание традиционного и актуального в современном японском дизайне
скачать (14202.5 kb.)

Доступные файлы (1):

1.doc14203kb.16.11.2011 15:13скачать

содержание

1.doc

Министерство общего профессионального образования

Федеральное Государственное Образовательное Учреждение

Высшего Профессионального Образования

Южный Федеральный Университет

Институт Архитектуры и Искусств


Курсовая работа

по дисциплине:

«Современные эстетические концепции»

на тему:

«Сочетание традиционного и актуального в современном японском дизайне»




Выполнила студентка гр. А-41

Чубарова Елена

Научный руководитель

доц., канд. филос. наук Чемерисова Н.В.


Ростов-на-Дону

2008

Содержание


Введение..................................................................................................................3


  1. История развития японского дизайна........................................................5

1.1. Развитие японской культуры и искусства

с древнейших времен до середины ХХ века......................................................5

    1. Развитие японского дизайна с середины ХХ – ХХI век………...…...……7


2. Японский стиль в дизайне …………………………………………………....……9

2.1 Понятие стиля в искусстве………………………………………………….….....9

2.2 Основные черты японского стиля в дизайне …………………………......…10

2.3. Традиции и новаторство в работах современных

японских дизайнеров ……………………………………………………….……...…12


Заключение……………………………………………………………………….…….26

Литература………………………………………………………………………….…..28


Введение


Художественная культура Японии развивалась в течение многих веков.. Одной из наиболее характерных особенностей японской культуры стала широкая ассоциативность, легшая в основу ее образной системы. Поэтичность мышления японцев проявилась в многозначности содержания созданных ими художественных предметов, отражающих представления о природе и мироздании.

Успехи японского дизайна часто объясняют многовековой культурой художественного ремесла и быта, эстетическая утонченность и гармонич­ность которой всегда поражала зарубежных ценителей.

Действительно, в формировании предметного мира японцы с древнейших времен придер­живались концепции, основу которой составляют функциональность, ла­конизм и чистота форм. Понятно, что в островной вулканической стране с жесткой экономией земли все творческие силы человека вкладывались в разумную организацию жизнедеятельности. В условиях даже ремесленно­го производства японская архитектура при всей своей высокой эстетично­сти была типовой, модульной, предельно функциональной и конструктив­ной.

Посуда всегда была комбинированной и складируемой. Японский иероглиф, отвечающий нашему понятию «мебель», в более точном смысле означает «орудие (инструмент), сопровождающее человека всю жизнь».

Известно, что историческую судьбу каждого народа в значительной мере определяют географическое положение, природные и климатические условия. Островное положение Японии привело к относительной изолированности японского этноса и сохранению вплоть до современности его однородности. Восхищение красотой необычайно богатой и разнообразной природы Японии, умение наслаждаться каждым ее мгновением стало особенностью национального характера и получило прямое выражение во всех видах искусства. Особое внимание к жизни природы, связанное с зависимостью от ее стихий (тайфуны, землетрясения и т. д.), повлияло на отношение к ней как к живой и чувствующей.

Европейские историки и критики дизайна отмечают, что в японском дизайне объединяются дух Востока и Запада, историческое прошлое и завтрашний день. В нем естественно переплетаются традиции ремесла с бережным отношением к натуральным материалам и высокотехнологичное производство.

Несмотря на интернациональный характер многих дизайнерских решений, в японских изделиях сохраняются специфические национальные черты.

В Японии уже в средней школе вводятся специальные занятия по цвету, моделированию форм и предметов, изучается оригами как искусство создавать из плоскости объемные формы. Изобретательность, пространственное воображение, вкус к технологии и алгоритмам, творческое пространственное и символическое мышление – все это формируется в процессе складывания объемных фигур из квадратного листа бумаги.

От моделирования форм из бумаги – к пониманию взаимоотношения человека и вещи, пониманию факта рождения, жизни и умирания вещи. «Человеческие чувства, сформированные в совокупности всех этих разнообразных ощущений, позволяет осознать красоту бытия вещей».[цит. по: Устинов Н.Г. Дизайн в японской школе.//Техническая эстетика, 1988.-№6.-с.12]

Произведение японского дизайна – это микрокосм. Все его формы должны быть обдуманными и точными, красота завершенной. Но даже идеальные формы мало что значат, если под ними скрывается пустота. Предмет становится целым миром, если он символичен, если в нем выражено существо времени и природы. Поэтому форма, цвет и украшение предмета могут содержать в себе исторический или литературный смысл.

Выразительные контрасты предельно обобщенных форм черного, белого и красного цвета в эмблемах универмагов, фирм и общественных организаций заставляют вспомнить о лапидарной эстетике самурайских гербов, но исторические аллюзии никогда не становятся навязчивыми.

Цель данной работы – проследить развитие художественной культуры Японии с древнейших времен до нашего времени и рассмотреть уникальные особенности японского дизайна на примере творчества современных дизайнеров. Конечно, в полной мере показать всю красоту и богатство современного искусства Японии невозможно, так как японский народ создал очень большой многоликий и необычный мир художественных образов и форм, в котором воплотилась история его жизни, бытовой уклад, верования и суждения о прекрасном.


1. История развития японского дизайна

1.1. Развитие японского дизайна с середины ХХ – ХХI век


Древнейшие памятники японского искусства относятся к эпохе Дзёмон. Дзёмон — культура охотников и собирателей VII—I тысячелетий до н. э. Исследователи подразделяют Дзёмон на пять периодов: Архаичный, Ранний, Средний, Поздний и Позднейший. Но первые глиняные сосуды с ногтевым, или шнуровым, орнаментом в виде нацарапанных линий появились еще раньше. Мягкий податливый материал — глина — неизбежно пробуждал творческую фантазию древних охотников и рыболовов. Декоративный элемент этих глиняных сосудов знаменует собой рождение японского искусства.

Центрами культуры Дзёмон были остров Хоккайдо и северная часть острова Хонсю. Памятники Хоккайдо ярче всего свидетельствуют о евразийском (сибирском) происхождении Архаичного Дзёмона, о необычном для неолита соотношении функционального и декоративного в керамике этой эпохи. Здесь же появляются и первые каменные фигурки — догу, изображающие прежде всего богинь плодородия, подобных таким же богиням древнеевропейских культур.

Поздний и особенно Позднейший Дзёмон характеризуются качественными изменениями скульптурных изображений. В большом количестве появляются глиняные статуэтки, изображающие людей в богато декорированной одежде, с огромными глазами типа «снежных очков». От эпохи Дзёмон остались также некоторые образцы «каменного творчества»: знаменитые «солнечные часы», «лососевые камни» (т. е. камни, на которых изображен лосось) и рисунки на стенах пещер.

На смену Дзёмону пришла новая волна идеологий, искусств, возвестившая о резком переломе в культурной и этнической истории архипелага — рождении культуры Яёй (II в. до н. э. — III в. н. э.). С периода Яёй можно уже отсчитывать достоверную историю японской нации. Люди Яёй рассматривали бронзовые предметы (мечи, копья, колокола, зеркала) в основном как драгоценные, что обусловило их использование не в повседневной общественной практике, а в ритуальных церемониях. Даже мечи и копья имели для них не столько военный, сколько ритуально-магический смысл.

На рубеже II—III веков культура Яёй в Японии сменяется культурой Кофун (Курганов). Ранние Курганы, круглые и кругло-квадратные — это в основном естественные холмы и возвышения. Погребальная пластика Ранней Курганной культуры состоит не из предметов повседневного быта, а главным образом из предметов магико-символического круга: зеркал, подвесок, каменных кругов. Это объединяет Ранние Курганы с могильниками Яёй, но сама пластика в художественном отношении становится более разработанной. С конца IV столетия начинают появляться огромные искусственные (насыпные) могильники, получившие название Поздних Курганов. Главное различие Ранних и Поздних Курганов, хотя их разделяет менее столетия, заключается в составе погребальной пластики. В отличие от религиозно-магических атрибутов, находимых в Ранних Курганах, в Поздних обнаруживаются предметы повседневного обихода или их глиняные модели, предметы личного украшения и конской сбруи и, наконец, знаменитые ханива — глиняные фигурки воинов, жрецов, женщин, лошадей, птиц,  животных и т. п.

Проникновение в Японию буддизма, с которым было связано столь важное для средневекового искусства осознание человеком единства духа и плоти, неба и земли, отразилось и на развитии японского искусства, в частности архитектуры. Японские буддийские пагоды, писал академик Н. И. Конрад, их «устремленные ввысь многоярусные кровли с тянущимися к самому небу шпилями создавали то же ощущение, что и башни готического храма; они распространяли вселенское чувство и на «тот мир», не отделяя его от себя, а сливая «Трепетность Голубых Небес» и «Мощь Великой Земли» [Конрад Н. И. Очерк истории культуры средневековой Японии. М., 1980, с. 31.].

С XIII века в Японии широкое распространение получил буддизм секты дзэн, а вместе с ним и соответствующий архитектурный стиль (кара-э — «китайский стиль»). Эстетика дзэн не была простой и однозначно аскетичной, но могла быть и изысканной, сложной. Ярусный стиль стал общим для архитектуры XIV—XVI веков как светской, так и духовной. Соразмерность и гармоничность были главным мерилом художественности, эстетической ценности сооружения.

Архитектура дзэн достигла вершины своего развития в XIV веке. В дальнейшем упадок политического могущества секты сопровождался разрушением большей части ее храмов и монастырей. Нестабильность политической жизни страны, войны способствовали зато развитию замковой архитектуры. Расцвет ее приходится на 1596—1616 гг., но уже с XIV века замки строились в расчете на века. Поэтому при их сооружении широко применялся камень. С конца XVI века возобновилось крупное храмовое строительство. Восстанавливались старые монастыри, разрушенные в период междоусобиц, и создавались новые.

Традиционная японская архитектура в целом достигла своего наивысшего уровня развития уже в XIII веке. В период политической нестабильности, приходящейся на XIV—XVI века, условия для развития искусства архитектуры были крайне неблагоприятны. В XVII веке японская архитектура повторила свои лучшие достижения, а кое в чем и превзошла их.

Гармоничное визуальное единство предметной среды, сохранявшееся вплоть до начала индустриализации страны, сформировалось в условиях феодального строя и длительного периода изоляции Японии от всех контактов с внешним миром, конец которому положила революция Мэйдзи (1868 г.). Политические, социальные и экономические реформы осуществлялись одновременно с проникновением в Японию западной культуры. Индустрия как таковая начинает развиваться в Японии только после установления контактов с зарубежными странами, соответственно становление ее индустриального дизайна происходило в общем русле заимствования, освоения и творческого преобразования научных, технологических и эстетических достижений Запада. Все исследователи, занимающиеся историей японского дизайна, прослеживают его истоки в дизайне европейском, однако они существенно расходятся в датировке начала самого процесса. Так, И.Утимура считает, что европейские идеи художественного конструирования, в частности идеи Морриса, а затем деятелей Веркбунда и Баухауза, начали прорастать на японской почве с возникновением в Японии студий художников-абстркционистов (1930 г.) и созданием японского художественно-промышленного общества (1936 г.). Один из старейших дизайнеров Японии К.Акаси относит зарождение дизайнерского движения в стране к 1901 г., когда в Токийском высшем политехническом училище было открыто отделение промышленного проектирования. Профессор С. Койкэ утверждает, что японское правительство сформулировало свою политику в области дизайна в 1877-1880 гг. Х. Цуруока считает дизайн результатом послевоенных заимствований из американской промышленности и относит его возникновение приблизительно к 1955 г.


1.2. Развитие японского дизайна с середины ХХ века


В Японии, как и во многих других странах, термин «дизайн» вошел в широкое употребление лишь после второй мировой войны, хотя аналогичные понятия существовали и раньше. Например, «дзуан» - чертеж, набросок, проект, или «исе» - замысел, проект, рисунок, а также «кие» - хитрость, придумка). В послевоенный период понимание сферы дизайна чрезвычайно расширилось и приобрело ряд качественно новых черт.

Развитие дизайна в послевоенной Японии происходило на фоне общего стремительного роста промышленного производства, в результате которого Япония превратилась в страну высокоразвитой индустрии. Происшедшие перемены поставили Японию перед необходимостью решения целого комплекса экономических проблем, среди которых наиболее острыми были проблемы реализации продукции, повышения его качества и конкурентоспособности, расширения внешнего рынка сбыта. Естественно, что в этих условиях стали уделять все более серьезное внимание дизайну как средству стимулирования спроса. Пожалуй, ни одна другая страна не предпринимала столь решительных шагов, направленных на поощрение дизайнерской деятельности, и не демонстрировала столь наглядных результатов в достижении поставленных целей.

Япония сумела в удивительно короткий срок преодолеть отставание в области дизайна от передовых в этом отношении стран и обеспечить конкурентоспособность своих изделий на мировом рынке. За несколько десятилетий японский дизайн вышел на первое место в мире. Его развитие столь же стремительно, как и общий процесс послево­енной индустриализации Японии. Много говорят о Японии как о «загадке XX века». Первая немногочисленная группа дизайнеров появилась в стра­не в начале 1950-х гг. Когда в 1952 г. они создали японскую ассоциацию дизайнеров, в нее вошли лишь 25 специалистов, в большинстве своем за­нимавшихся проектированием мебели и интерьеров.

Промышленный подъем начала 1960-х гг. вызвал усиление конкурент­ной борьбы между японскими промышленными фирмами. В заботе о по­вышении привлекательности своей продукции они вынуждены были при­бегнуть к услугам дизайнеров. Эта профессия вскоре стала остродефицит­ной, и число дизайнеров начало быстро расти.

Развитие дизайна в Японии протекало в сложном процессе взаимодей­ствия и столкновения всевозможных творческих концепций, экономичес­ких, организационных и стилистических форм - как переносимых из Ев­ропы и Америки, так и своих, возникающих на базе веками выношенных культурных обычаев, эстетических идей и художественных форм.

Японское правительство всячески поощряет развитие дизайна в стра­не. За два послевоенных десятилетия Япония приобрела более полутора тысяч лицензий и патентов, немалая часть которых принадлежит сфере дизайна. С начала 1950-х гг. Японская ассоциация содействия развитию экспорт­ной торговли Джэтро регулярно посылала японских дизайнеров на учебу в высшие художественно-конструкторские учебные заведения в США и ФРГ (Чикаго, Лос-Анджелес, Ульм). Многие дизайнеры регулярно стажирова­лись в США, Италии, Франции, Англии, скандинавских странах, знако­мясь с последними достижениями дизайна.

Традиции японского отношения к миру вещей близки со­временному художественному движению - не случайно японский класси­ческий опыт привлекал многих крупнейших архитекторов и дизайнеров, начиная с Райта и Гропиуса.

За несколько десятилетий послевоенного развития японский дизайн постепенно преодолел все «болезни роста». На базе «смешанного» направ­ления японского дизайна начало развиваться новое творческое направле­ние. Оно характеризуется подлинным новаторством и тонкой универсали­зацией национального наследия. Однако проблема освоения националь­ного наследия, пожалуй, никогда не была самоцелью для этого направле­ния. Это лишь средство создания дизайна с четко выраженной гуманисти­ческой программой

Успехи японского дизайна часто объясняют многовековыми традициями художественного ремесла и быта, эстетическая утонченность и гармоничность которых всегда поражала зарубежных ценителей. Действительно, в формировании предметного мира японцы с древнейших времен придерживались концепции, основу которой составляют функциональность, лаконизм, сдержанность и чистота форм.

Вывод

XX и XXI века создали множество новых вещей, которым надо было найти адекватную внешнюю форму. И оказалось, что принципы традиционного японского искусства – свободная композиция, асимметрия, целесообразность – соответствуют новым требованиям наилучшим образом. Красота, естественно вырастающая из целесообразности, стала основой общемирового взгляда на современный дизайн. Закономерно, что Япония стала одним из мировых лидеров в этой сфере. Множество художников работает в промышленности, причем не только в фарфоровой или текстильной, но и в машиностроении, других наукоемких отраслях. Со всего мира сюда едут изучать архитектуру, керамику и декоративно-прикладное искусство. Но несмотря на постоянный обмен идеями и универсальность современной промышленной техники, японский дизайн сохраняет свои уникальные особенности, отличительные черты, идущие от высокой культуры классического изобразительного искусства страны.

Развитие художественной культуры Японии органично связано с развитием культуры Евразии, но в то же время очень самобытными и неожиданными становятся в руках японских мастеров заимствованные с континента — из Индии, Китая, Сибири — формы и сюжеты. В неразрывном единстве родного и заимствованного, в претворении чужого в своем — сила и жизненность тысячелетнего и нестареющего феномена японского искусства. В его созданиях, как бы причудливы и экзотичны они ни казались на первый взгляд, проступают общечеловеческие, присущие всякому народному искусству идеи и средства выражения. Каждый человек, каждое поколение видит Японию и японскую художественную традицию по-своему, своими глазами. И каждый человек, соприкасаясь с этим прекрасным необычным миром, обогащается, учится новому пониманию красоты и добра, становится глубже и человечнее.


  1. Японский стиль в дизайне интерьера

2.1. Понятие стиля в искусстве

Стиль в литературе и искусстве понимается как устойчивая целостность или общность образной системы, средств художественной выразительности, образных приёмов, характеризующих произведение искусства или совокупность произведений. Стилем также называется система признаков, по которым такая общность может быть опознана. Под понятием «стиля» также следует понимать единство, целостность содержательных и формальных элементов, участвующих в создании художественного произведения. В художественном стиле все элементы не случайны, а связаны между собой. Чаще всего стиль есть исторический синтез образных представлений идеального мира. В теории стиля подчёркивается глубокая обусловленность формальных структур социальным и культурно-историческим содержанием искусства, его методом, мировоззрением художника. Эта обусловленность не носит прямого, механического характера и связана с относительной самостоятельностью развития стиля: стилистические признаки могли сохраняться и тогда, когда искусство существенно меняло своё содержание.

Стиль обуславливается научными и техническими возможностями, изменением образа жизни, развитием общества; порождается определенной эпохой и отмирает, сменяясь новой совокупностью устойчивых форм. Стиль редко существует в чистом виде: в нем всегда уживаются старое и новое. Он не может быть искусственно восстановлен, как и время, вызвавшее его появление. Стиль в искусстве - это не форма, не содержание, не даже их единство в произведении. Стиль - фактор творческого процесса, осуществление ориентации художника по отношению к реальности, к художественной традиции, к публике. Стиль диктует художнику избирательность по отношению к жизненному материалу, культурной (и в частности к художественной) традиции, к общественным целям искусства





    1. Основные черты японского стиля в дизайне интерьера


В последние годы в нашу жизнь бурными темпами стали вливаться восточные мотивы. Такой незнакомый и необычный японский стиль манит и завораживает своей утонченной минималистичностью и даже некоторым аскетизмом, ведь он характеризуется очень высокой функциональностью и внешней эстетикой, здесь нет лишних и бессмысленных деталей, каждая мелочь наделена особым назначением. Традиционный интерьер японского дома – это большое свободное пространство, на котором размещаются и функциональная кухня, и уютная зона для приема гостей, и место для работы. Как известно, японский дизайн проникнут глубокой философией, основанной на единстве человека и природы. Именно поэтому японцы широко используют различные ширмы и перегородки, которые можно легко передвинуть и изменить тем самым интерьер, японский стиль, таким образом, может изменяться и развиваться, как и все в природе.

Японский афоризм про перегородки сёдзи гласит: «Обнаженного человека можно видеть, но нельзя разглядеть». Деревянные решетки, обклеенные бумагой васи, в японском доме служили и стенами, и ширмами. Большое количество пазов в полу позволяло легко ставить новые сёдзи или перемещать старые. Именно легкие перегородки делают японский интерьер таким функциональным, ведь можно просто ее передвинуть и расширить пространство или, наоборот, уединиться в уютном уголке. Они отлично пропускают свет и создают ощущение воздушности и легкости, которые и составляют японский стиль .

Пространство здесь очень четко разделяется, атмосфера наполнена легкостью и умиротворенностью. Именно поэтому японский стиль – это, в первую очередь, легкие, светлые, приглушенные оттенки и натуральные материалы.

Чтобы не перегружать пространство, японский интерьер практически исключает мебель, остается только самое необходимое. Низкие простые диванчики, столы из темного дерева и невысокие скамейки прекрасно вписываются в японский дизайн. Шкафы в Японии обычно вообще отсутствуют. Вместо них японский интерьер наполнен разнообразными нишами, в которых прекрасно помещаются разнообразные вазы и статуэтки. Японская комната известна своими чистыми линиями и отсутствием лишних предметов. Если в японском интерьере и есть мебель, вы не найдете ее слишком много. Но свои немногочисленные изделия мебели японцы из­готавливают с большим мастерством. Неправильные, асимметричные комби­нации отдельных элементов и ритмичное их повторение — характерные свой­ства японской мебели. Характерна и изящная, основанная на естественных формах, иногда стилизованная, почти натуралистическая орнаментика. Удивительный вкус, продуманность и завершенность да­же мельчайших деталей, единство формы, материала и отделки отличают японскую мебель, которая гармонично вписывается в рамки легких архи­тектурных форм.

Дизайн по-японски - это стремление к созданию некоего замкнутого, законченного мира. Формы должны быть обдуманными и точными, красота - завершенной. Но даже идеальные формы мало что значат, если за ними ничего не скрывается. Предмет становится целым миром, если он символичен, если в нем через форму или цвет выражено существо времени и природы. Функциональная жилая и офисная мебель не знает ни орнаментов, ни украшений, но выглядит удобной, "человечной" и по-настоящему классической благодаря смягчению углов и граней и спокойной гармонии пропорций.

Именно Япония дала миру принцип модульности, который позволил стандартизировать архитектуру. Размеры жилья определялись количеством положенных на пол татами. В соответствии с количеством циновок определялись типы комнат и число людей, живущих в доме. Отсюда возникла идея сбора интерьера из целых пространственных блоков.

Самым главным источником вдохновения по-прежнему остается природа. Предпочтение отдается тому направлению дизайна, в котором человеческое сознание проявляется через образы природы. Неизменной остается и любовь к традиционным материалам, к их природной красоте: открытой фактуре дерева, плетеному бамбуку (из которого делают и вазы для цветов, и посуду, и украшения), керамике, лаку. Большие чистые плоскости лакированного дерева или однотонного пластика делают современную мебель наследницей стиля старинных столиков и сундучков. Это, конечно, не значит, что японские дизайнеры избегают новейших материалов, напротив: они быстро, талантливо и охотно осваивают их. Но и в новомодном пластике или металле им удается найти природное начало, даже если речь идет о предметах быта.

Это еще одна отличительная черта японского дизайна — одушевленность вещи. Современные предметы и приборы не противопоставляются человеку, не создают вокруг него враждебной среды. Они в полной мере являются его «созданиями». Даже продукция самых высоких технологий не должна нести на себе отпечатка равнодушной и обезличенной машинерии. Во многом этому способствует народное искусство, выросшее из старинных кустарных промыслов. Постиндустриальная Япония сумела и оценить его, и сохранить. И в то же время японский дизайн в полной мере является продуктом нашей эпохи.

Рассеянный свет - одна из основных концепций в японском интерьере. Открытое окно, через которое в комнату беспрепятственно струится солнечный свет, нежные занавеси светлых тонов, много свободного пространства - вот истинная японская атмосфера. Жилые и спальные области дома легко приспосабливаемы, и обычно обозначены подвижными ширмами. Тут нет понятия комнат как таковых. В пространстве, отведенном для спальни, ночью может быть расположен футон на полу, но днем он собирается, чтобы освободить больше жизненного пространства.

Японский дом - это уединение. Он предлагает персональное убежище, спрятанное от хаоса и сумасшедшего ритма окружающего мира. Традиционные жилища строятся из натуральных, органических материалов, таких как глина, солома, бумага, дерево (твердая древесина и бамбук), камень и другие. В японском интерьере также используется вода и живые растения. Окружающая природа продолжает свое существование в доме, даруя тем самым жильцам гармонию. Этот дизайн, существующий вне времени – источник вдохновения многих дизайнеров.

Своим внутренним миром должно обладать все, от вилки до дивана. А современная бытовая техника не противопоставляется человеку, не создает враждебной среды. Она не должна быть обезличенной. Возможно, достижения дизайна этой замкнутой в себе культуры привлекают мир потому, что древние национальные принципы нескольких островов в океане оказались адекватными современному технократическому быту европейцев.


2.3. Традиции и новаторство в работах современных

японских дизайнеров

  • Кенго Кума

Кенго Кума — один из самых популярных дизайнеров и архитекторов на востоке.В интерьерах квартир и домов он применяет классический японский стиль, но ракурс его применения смежен с новаторским влиянием XXI века. Желание восстановить японские традиции оформления проявляют себя в использовании натуральных материалов и техник, которые были изобретены его предками.

Инсталляция Tsunagu Кенго Кума - это концепт дизайна интерьера японского жилища, который был показан на Миланской Триеннале в прошлом месяце. Этот проект интерьера квартиры сделан по заказу крупной японской компании-застройщика Mitsui Fudosan Residential, которая планирует включить некоторые из идей в будущих своих жилых домах

Легкий и практически невесомый японский интерьер, с четким зонированием и практически полностью открытым пространством. Лишь легкие перегородки из полупрозрачных панелей из бамбука, разделеяют пространство внутри интерьера. Идея всеобщей гармонии с окружающим миром и внутри этой небольшой жилой ячейки, развивается не только в полупропрозрачных перегородках, все материалы экологически чистые, формы просты и четки, дизайн интерьера максимально приближен к естественному. Впрочем, японская архитектурная школы всягда отличалась сдержанностью, высоким чувством стиля и экологическим дизайном.

Строгие прямые линии, минимализм и, как результат, широкое пространство создают непревзойденные ощущения пребывания в фантастическом дизайне. Природные материалы с минимальной их обработкой связывают человека с его истинной сущностью напоминая, что все мы дети четырех стихий — воды, земли, воздуха и огня.

Это сочетание можно увидеть в большинстве работ Кенго Кума. Смелый и новаторский XXI век гармонично сочетается с многовековой историей и традицией его родины. Современные материалы и технологии позволяют достичь важной гармонии в дизайне квартиры при этом, не оторвав нас от природы.


Его имя известно в Нью-Йорке и Париже, Милане и Лондоне. Вот уже несколько десятилетий в списке его клиентов - WITTMANN, CASSINA и MOROSO, FRATELLI GUZZINI, PICA CASA, MAGIS... Его столы и стулья, кресла и телевизоры вызывают необычный даже для японского дизайнера интерес и демонстрируются в крупнейших музеях: Парижском Центре Жоржа Помпиду и Музее современного искусства в Нью-Йорке. И все же дизайн Тошиюки Кита далек от традиционных западных представлений. В его основе лежат свобода и одухотворенность, напоминающие о существовании не только шумных городов и роскошных интерьеров, но и радуги, ветра, птиц... «Обычно люди  понимают дизайн как комбинации цвета и формы. У меня гораздо более целостный подход – концепция состоит в том, чтобы согласовать многие сложные факторы в единую форму, то, что называется гармонией. Элементы изменяются с течением времени, поэтому всегда нужно пересмотреть свои подходы. Мне особенно нравятся проекты, где мне удаётся показать традиционный объект в новом  свете, выявить его природу, фактуру и форму». [11]

Сам Тошиюки Кита считает свои творения простыми результатами "обычной работы", выделяя среди них только тахту Saruyama (в переводе с японского это название означает "маленький обезьяний остров") - плод "свободной фантазии художника". Saruyama, пожалуй, одно из лучших отражений дизайнерской философии великого японца. В соответствии с ней каждое произведение человеческой мысли должно быть результатом наблюдений и размышлений о жизни. "Старые изделия ремесленников обладают душой, и ту же душу можно вдохнуть в предметы, сделанные машинами", - говорит Кита.[32]

Тошиюки Кита приложил очень много усилий, чтобы сделать традицию современной. Его дизайнерская концепция – баланс между природой и технологией. Тошиюки Кита – дизайнер на стыке культур, при взгляде на его работы нельзя однозначно определить чей это продукт – этнического японца в Европе или итальянца в Японии.

«Я постоянно общаюсь с традиционными ремесленниками, чтобы адаптировать их опыт к современным условиям жизни» [32]. Кита стремится восстановить цепочку взаимоотношений, при этом, всячески культивируя мудрость поколения ремесленников, чьей главной заботой были красота и удобство производимых товаров.

Посуда, которую делает Тошиюки Кита, может показаться европейцам японской, но её форма и размер далеко не аутентичны. Она подходит для тех немногих, кто способен узнать традиционную красоту и одновременно принять её новизну. 

Мебель в Японии компактна, портативна, и скрыта от глаз. Но, как и любой современный японец его возраста, Кита рос под весьма ограниченным влиянием западной мебели. У его семьи был диван, но они считали его чисто утилитарной вещью и держали исключительно для гостей. Единственное его воспоминание об удобной мебели связано с небольшим складным столиком, который ставился у стены, когда был не нужен.

Мебель, которую Кита производит в Италии, игрива и красочна, и на западный взгляд не совсем японская, но она отражает тот самый принцип взаимодействия, к которому Кита был приучен с раннего детства. Дизайнер вспоминает, что тогда разные поколения общались друг с другом, а сейчас это общение полностью исчезло, что делает нас оторванными от прошлого.

Раньше двери деревянных домиков городских кварталов были распахнуты для всех. Гостеприимные комнаты приглашали зайти, а из груд циновок дети могли строить целые крепости для игры. Уже упоминавшаяся знаменитая софа Saruyama (также известная как monkey mountain, «обезьянья горка», 1968 год) — та самая детская площадка; несколько человек могут сидеть или лежать на ней, как им вздумается.

«Сто лет назад, завтра, через сто лет, — говорит Кита, — не имеет значения»[11]. Наше внутренне пространство остаётся неизменным. Но мы живём в мире, которым правят технологии, и он подвержен постоянным преобразованиям. Сегодня очень важно поддерживать идеальный баланс между исторически неизменным внутренним миром и внешним миром, которым управляют извне. Работы Тошиюки Кита — выражение этого баланса

«Дизайн сейчас важнее, чем когда бы то ни было раньше: это слово означает не просто выбор цвета или формы. Нет, дизайн - это весы, восстанавливающие равновесие между природой и технологией».[4]


  • ^ Широ Курамата

В западной цивилизации, начиная со времен Ренессанса, искусство всегда отделяли от   декоративного творчества. Живопись и скульптура ценились гораздо выше, чем, например, предметы быта – мебель и керамика. В Японии же подобного разделения не существовало. «Искусство» - для японского языка слово иностранное, вошедшее в употребление в конце девятнадцатого века. До этого слова «ремесло» и «мастерство» применялись к живописи и скульптуре в той же мере, что и к декоративному искусству. Это представление о том, что все искусства представляют собой части одного целого, является существенным для понимания японской культуры. В творчестве  Широ Курамата, величайшего и успешнейшего дизайнера мебели и интерьеров современной Японии, это понятие о единстве искусств  было решающим.

В своем творчестве Курамата соединил западный модернизм, сюрреалистические элементы и восточную философию. В мебели, которую создавал дизайнер, сочетается японский минимализм и западное чувство иронии. В 70-80-х Курамата, используя новые материалы и технологии, становится революционером в формообразовании. Он соединяет такие материалы как акрил, стекло, алюминий и сталь, чтобы создавать предметы, которые вырываются из серьезности в царство фантазий.

Курамата всегда стремился выйти за пределы материального мира, пытаясь сделать вещи невидимыми. Он неоднократно возвращался к созданию объектов, находящихся на грани материальности, где «материал становится светом, а вес становится воздухом» (Этторе Соттсасс). Вершиной этих поисков является его Стеклянный стул (Glass Chair), созданный в 1976 году. Своей нематериальностью и строгой геометрической формой Стеклянный стул более, чем какое-либо другое творение Курамата, отдает дань уважения творчеству Пита Мондриана, датского художника и члена группы «Де стиль» и модернистским поискам дематериализации. Дизайн стула поражает своей безупречностью. Он перешагнул границы видимого мира и существует где-то между бытием и небытием. Несмотря на то, что стул вполне функционален, он кажется слишком хрупким, слишком сверхъестественным и трансцендентным, чтобы нести земное человеческое тело.

Создавая мебельный дизайн для «Мемфиса» (начало 80-х), а затем работая для таких компаний, как Vitra, Cappellini, XO, Kokuyo Co, Курамата продолжал свои эксперименты с прозрачностью и легкостью, переводя обыденные предметы в разряд поэтических объектов.

«Как высока луна» (How high the Moon) - кресло с таким поэтичным названием сделано из металлической сетки. Сетку Курамата использовал не только в мебели, но и при оформлении интерьеров, делая из нее колонны, перегородки, навесы. Никелированный металл, из которого выполнено кресло, мерцает, напоминая о бледном свете луны. При этом крупные, вполне традиционные пропорции, эластичность сетки гарантируют комфортность мебели. Как и многие другие произведения Курамата, кресло How high the Moon  имеет перекличку с западной культурой, нося название одной из знаменитых джазовых тем Дюка Эллингтона.

Созданный в 1988 году, стул «Мисс Бланш» (Miss Blanche) открывает новую эпоху в дизайне Курамата – эпоху открытия эстетического потенциала акрила, его сочетания с другими материалами, такими как алюминий и, в случае с «Мисс Бланш», пластиком, из которого сделаны розы. Стул был назван в честь героини пьесы Тенниси Уильямса «A Streetcar Named Desir» Blanche Dubois, и также как  и она, стул украшен красными розами. В дизайне этого стула во всей полноте воплотилось поэтическая природа творчества Курамата.  Красные цветы любви, погруженные в акрил, являются прообразом вечности, постоянно текущей и постоянно напоминающей о прошедших временах и, в то же время, о постоянстве времени.

Помимо дизайна мебели Курамата проектировал интерьеры. Его студия разаработала дизайн более, чем 300 баров и ресторанов. Он спроектировал интерьеры магазинов для Seibu, Espirit, трех магазинов для Issey Miyake в Токио, Париже и Нью-Йорке.



  • Университет искусств Мусашино

Выпyскники японского Университета искусств Мусашино создают объекты, так или иначе затрагивающие тему связи человека с природой. Эта концепция отражена в названии, первая часть которого получилась из смешения английских слов «жизнь» (life) и «листок» (leaf). В некоторых работах трио природные мотивы являются формообразующими. Например, из сиденья дивана Kukuпochi в буквальном смысле вырастает целая аллея из белого ясеня, которая служит спинкой, а низкое кресло Тsuboтi повторяет форму полураспустившегося цветка. Конструкция скамейки Lin Pod родилась из идеи создать элемент интерьера, комфортный как для человека, так и для домашнего растения: в удлиненном сиденье проделано отверстие для горшка. Растение у Leif.designpark выступает как равноправный участник событий находящийся на одном уровне с человеком. Дизайнеры уверены, что учиться дружить с природой надо с самого детства, поэтому в семейство деревянной мебели Топе, сделанной в традиционной технике маркетри, они включили и миниатюрные версии «взрослых» стульев. Правда, иногда японское стремление к минимализму пересиливает, и вместо привычной детской лошадки получается качалка Fura, напоминающая металлический каркас.


  • ^ Наото Фукасава

Чтобы понять работы Наото Фукасавы, сначала понадобится отстраниться от мира повседневности и освободиться от рациональной власти рассудка. Не мысли вслух, а вчувствование и восприятие. В течение нескольких последних лет Фукасава работал над концепцией «без размышления» - ‘without thought’. Это попытка заново открыть, как люди бессознательно приспосабливают все, что подвернулось под руку, оказалось ситуативно-приемлемым, для создания комфорта и притом функционального. Его конечная цель – создать наиболее «растворяющийся» способ поддержать эту бессознательную деятельность.

Идеал Фукасавы таков: творческий акт дизайна завершен, цель достигнута, однако объект дизайна практически отсутствует – он растворяется в окружающей обстановке. Например, его идеальной подставкой для зонтов будет не привычное «ведерко», но скорее тонкий желобок на полу, который может быть, а может и не быть замечен гостями, желающими куда-нибудь поставить свои зонтики.

Фукасава видит основу своего подход в исследованиях американского психолога Джеймса Дж. Гибсона (James J. Gibson) (1904 –1979), создавшего теорию, известную как теория «предоставлений» – ‘affordances’. Она объясняет дополнительные отношения между животными (включая людей) и окружающим пространством. Фукасава верит, что мы постоянно встречаем такие «предоставления» – к примеру, «лестница» из камней – и что, как и более примитивные животные, мы чувствуем и «считываем» их, когда ходим, смотрим, прикасаемся. Фукасава видит такие «предоставления» даже в современной урбанизированной окружающей среде. Она создается не только природой, но и через искусственные объекты, общественные традиции, тенденции и даже наше настроение.

«Знаете, для меня главное - это наблюдение. Я люблю читать книги по древней японской философии, и там сказано, что, только когда человек научится наблюдать и смотреть на мир глазами ребенка, он сможет чего-то достичь в жизни. Поэтому каждый свой новый проект, будь то мобильный телефон или подставка для карандашей я стараюсь делать, совершенно абстрагируясь от моды. Я не люблю замысловатых дизайнерских вещей, мне больше близки функциональность и простота. Если вы посмотрите на первые мои вещи и последние, то увидите, что по дизайну они не сильно отличаются друг от друга, разве что по техническим характеристикам и материалам».[34]

Фукасава известен миру как «чемпион супернормального дизайна» — минималистcкого и низкотехничного, но при этом создающего новые неожиданные смыслы. «Хороший дизайн — это тот дизайн, в котором нет места для ненужного послевкусия, он подобен взмаху кисти, выводящей каллиграфические знаки, или ножа, нарезающего сасими».

Наото Фукасава следует восточной философии Хари, внедренной в язык дизайна, четкое осознание которой дало ему основу для выработки собственной позиции в дизайне.

«Хари обычно переводится, как „напряженность”, — улыбается Фукасава, — но это не совсем точно. Очень трудно объяснить. Это — сила. Если я хочу быть хорошим дизайнером, моя задача состоит в том, чтобы изменить силу, действующую на меня извне. Так и с предметом. Хари означает баланс между двумя силами — внешней и внутренней. В дизайне Хари — это нахождение оптимальной формы для того, чтобы выразить объект, или скорее для того, чтобы дать объекту самовыразиться. Если я проектирую кофейную чашку, я должен создать некий контур, — говорит Фукасава, — но при этом обязательно учесть то, как это уже было ранее решено — людьми, окружающей средой, временем, способами пить из этой чашки. Для формы важны многие вещи».[34]

Когда в 1998 году Фукасава показал картинку с зонтиком своим американским коллегам и спросил их, какими словами они могут описать эту подсознательную идею, оба ответили: «Without thought» — «Не задумываясь». В отличие от Хари, это была очень «западная» концепция. «Когда вы пьете воду, вы не думаете о стакане. Вы просто из него пьете». Фукасава показывает еще ряд своих проектов, чтобы иллюстрировать эту мысль — велосипедная корзина, превращенная в корзину для бумаг, вогнутые перила, используемые как пепельница, — предметы, которые используются естественно и спонтанно — «не задумываясь».[34] Фраза быстро стала мантрой Наото. Однажды дизайнер наблюдал вращение компакт-диска, и это напомнило ему вентилятор. И он создал CD-плеер, похожий на традиционный дешевый кухонный вентилятор. Предмет стал частью постоянного собрания MoMA (Музей современной архитектуры и дизайна в Нью-Йорке).

Но все же господин Фукасава агитирует за сохранение роли мебели. Это электроника сливается у него с человеком или стенами, становясь невероятно функциональной и высвобождая пространство; что же касается стульев, столов и диванов — он сохраняет их определяющую роль в помещении. «Я думаю, что объекты или вещи будут постепенно перемещаться в стены, как это сейчас происходит с аудио- и видеотехникой, или в наше тело, одежду (телефон, плеер и прочее), — говорит Фукасава. — Возможно, останутся только вещи, которые должны существовать для комфорта человеческого тела, все прочее будет функционально объединено».[34]

Наото Фукасава ищет смыслы, которые уже существуют. Он создает то, что уже есть в воображении многих людей как нечто необходимое и полезное. «Я ничего не изобретаю, я только вынимаю эту вещь из головы и превращаю подсознательное желание в действительность».[34]


  • ^ Шиджеюки Хасегава

Японец Шиджеюки Хасегава в 21 год уехал в США, чтобы выучить английский и стать архитектором. Языком овладел быстро, а архитектуру променял на дизайн интерьеров. Получив диплом по этой специальности в Вашингтонском государственном университете, Хасегава вернулся в Японию.

Здесь он опять сменил направление, на этот раз менее кардинально: параллельно с оформлением офисов увлекся предметным дизайном. В 2005 году Шидже (так он себя называет) открыл собственную дизайн-студию в пригороде Токио.

Учеба в США дает о себе знать в вещах Хасегавы лишь слегка. У американцев ему понравилась любовь к резким контурам и большим размерам. «Моя люстра Sakura очень динамична по форме и размером больше двух метров», -приводит пример этого влияния дизайнер.[8] Из короткой командировки в Скандинавию в 2001 году Хасегава привез увлечение деревом.

И все же в первую очередь он вдохновляется японскими традициями, особенно искусством оригами. «Создавая предметы, я использую обычный бумажный лист, но не для того, чтобы рисовать на нем эскизы. Я его всячески изгибаю, ставлю, разрезаю и комкаю», - рассказывает Хасегава.[8] Комкает бумагу он довольно успешно. Coпde House уже запускает в производство его слегка «помятую» скамью Nami, а светильник Mori light появится в каталоге марки Endo. Абажуры из вощеной бумаги – последнее увлечение Хасегавы, так же как цветочные и растительные узоры. Ими он украсит серию керамики, которую готовит для грядущего SaloneSatellite

  • ^ Токудзин Йосиока

Токудзин Йосиока - японский дизайнер новой формации: уважает старших, но говорит о свободе художника и обожает перемены.

«Я понял, что дизайн – это в первую очередь свобода. И нет большой разницы, рисуешь ли ты часы или делаешь огромную инсталляцию - законы везде одни и те же»[6]. Токудзин без страха превращает бутафорские конструкции из гофрированной бумаги в кресла для крупнейших итальянских производителей мебели, а интерфейсы для мобильников оформляет так же, как выставочные стенды.

У Токудзина нет особых предпочтений, он с удовольствием берется за самые разные заказы. Неожиданные материалы - конек дизайнера. В 2006 году он сделал для Moroso кресло Рапа Chair - оно не просто называется хлебным, но и готовится в печи. С первого взгляда вряд ли можно догадаться, что это предмет мебели. Скорее придут в голову аналогии из кулинарии. Идею создания подобного подобного кресла дизайнер подсмотрел в журнале National Geographic, который опубликовал статью о свойствах высокотехнологичных волокон и их значении для науки и космической промышленности. «Почему бы не попробовать сделать из этих волокон кресло, подумал я», — говорит Токудзин и демонстрирует увесистую пачку рисунков.[18] Его задачей было создать структуру из мягкого материала. Первые попытки не дали результатов: образцы не держали форму и распадались как каша. Токудзин перепробовал много типов волокон и провел бессчетное число экспериментов, пока его не осенило — нужно запечь, как хлеб. Волокна полизфирного эластомера, которые используются в медицине, помещаются в овальную форму и выпекаются до нужной кондиции. Пока кресло окончательно не остыло, в него сажают будущего владельца, чтобы оно приняло форму его тела.

На вопрос, что чисто японского есть в его дизайне, Токудзин отвечает неожиданно:

- Любовь к переменам. Современный японец переделывает собственное жилище каждый год. Вот и я тоже никак не могу остановиться. [6]


  • Макио Хасуике

Проект для Макио Хасуике – это не только конечный результат работы, не менее важен и сам процесс, те решения, которые дизайнер вынужден принимать и которые определяют путь и направления работы. Макио Хасуике хотел создавать и создавал вещи, которые были бы просты и практичны, доступны, были минимального веса. Макио Хасуике старается создать для людей как можно более практичные, но в то же время оригинальные и удобные вещи. Его специализация - вещи практичные и простые. Он любит повторять: "Моя работа состоит в том, чтобы наблюдать за людьми. Я должен почувствовать, что им нужно".[34] Хасуике считает, что его дизайн должен быть частью природы, быть ненавязчивым, гармоничным и порой даже незаметным. Каждый проект – это исследование в поисках новых возможных балансов между рациональностью и свободой выражения, между необходимостью и красотой, между техническими нормами и причинами, лежащими в основе дизайна.

Есть всего несколько вещей, с которыми Хасуике отказывается расставаться. Во-первых, это готовность слушать. Его путь начинается с попытки понять клиента, выслушать его рассуждения и узнать его ожидания. Во­-вторых, это дизайн, язык, который используется в процессе анализа и помогает достигать взаимопонимания. Это те вещи, которые у него есть и которые дают Макио Хасуике возможность воплощать большинство его проектов, устанавливать долгосрочные отношения и сотрудничество.

В каждый новый путь Хасуике берет с собой компас, в основе которого лежат три простых ключевых принципа: легкость, материалы и структура. Качество работы Макио Хасуике можно оценить по грации и изяществу, с которыми воплощаются значения этих трех заветных слов и которые можно найти в каждом проекте. Макио Хасуике всегда знал, каким образом и как правильно отразить в какой-либо вещи синтез различных стилей или черт с поразительной красотой и гармонией. Подобное воплощение можно найти в кухне Unibloc и кухонных приборах OSA для Merloni, аксессуарах для ванной комнаты от Gedy, ножах для Моto Auerhanh, книжной полке Calibro Secco-Sistemi, кофемашинах для Gaggia. Список можно продолжать практически бесконечно.

Сейчас Макио Хасуике продолжает работу над своими новыми проектами и не перестает создавать новые удивительные вещи, стараясь сделать нашу жизнь еще комфортнее и проще.

Благодаря большому опыту, труду и таланту работы этого выдающегося дизайнера завоевали всемирное признание и даже получили несколько дизайнерских наград, а часть из них являются постоянными участниками экспозиций в Музее современного искусства в Нью-Йорке, в Миланской триеннале и в Музее индустрии в Эссене.

Как-то Макио Хасуике сказал: "Мои объекты никогда не кричат: дизайн!" [34] Действительно, зачем им кричать? И так все понятно.


  • Наоки Хиракозо

Японец Наоки Хиракозо уверен, что внешность предмета так же важна, как и его функция. «Нам жизненно необходимо существовать в красивом пространстве», - говорит он. Но отмечает, что не подразумевает декорации, ведь в них нет «смысловой нагрузки». «Главное - найти гармонию между предметом и его окружением и добиться того, чтобы, проводя ладонью по гладкой поверхности стола или кресла, можно было почувствовать спокойствие», - объясняет Наоки.[5]

Правильной красоте Наоки учится, глядя на японские храмовые комплексы и сады камней. А вдохновение ищет в геометрических формах,которые причудливо интерпретирует. Например, для стола Trapez и кресел Slitta это были трапецоид, треугольник и параллелограмм. Хиракозо старается избегать сложных конструкций. Самое сложное, что у него есть, - изогнутые стулья, столы и табуретки из серии Liпuт: под тонким слоем дерева скрывается каркас из металла.

Из материалов Наоки предпочитает липу, тополь и традиционную для японской мебели пауловнию. Ему особенно дорога серия мебели для бренда Paulownia, которая делается из этого дерева по традиционной японской технологии.

Сейчас он проектирует мебель для студии Maki Наиs, которая вот-вот выйдет на международный рынок. И еще последнее время дизайнер всерьез думает о том, что пора делать мебель для космических станций. «Нужно просто немного выждать, и спрос появится», - уверен Хиракозо.


Заключение


Западный мир уже много лет зачарован японским интерьером. Представьте, что в эту минуту хозяин какого-то дома решает отказаться от камина, который, несомненно, тоже прекрасен, и ограничится скромной нишей в стене, предпочесть простые линии и приглушенные цвета японского интерьера, передающие нам саму сущность этой культуры, ее спокойствие, гармонию и связь с природой. И, возможно, его жизнь, его мысли станут более упорядоченными. Япония действительно страна восхитительной культуры, которую стоит изучить и за которой интересно понаблюдать.

Японский дизайн интерьера очаровывает довольно многих. Минимум деталей, максимум практичности, легкий и ненавязчивый декор, простор помещений привлекают своим уютом и гостеприимностью даже людей приверженцев других дизайнерских течений.

Сегодня этот стиль не настолько суров и привязан к историческим традициям, это позволило просочиться «восточным ноткам» в довольно большое количество других дизайнерских течений. Можем смело увидеть его и в модерне и современном индустриальном хай-теке.

Восточный стиль вообще универсален, его можно применять как ко всему дому, так и просто сделать тихий уголок в вашей спальне выполненный в соответствующем настроении. Таким образом, у вас всегда будет место, где можно отдохнуть и расслабится, и при этом, если вы приверженец активного образа жизни — японский интерьер может стать частью практически любого другого стиле не навредив, а даже дополнив его своим очарованием.

Япония несет в себе глубокую философию единства человека и природы, что также проявляется в японском интерьере и восточной культуре в целом. Близость воды, домашних растений и животных, в том числе и аквариумов, дарит человеку спокойный лад и умиротворение. Это идеальная атмосфера для глубокого творчества и познания мира в целом.

Можно сказать, что современной бытовой и электронной техникой, машинами и оборудованием, интерьерами жилых домов и офисов, а также многим другим мир обязан дизайну Японии. Ведь именно он создал те образы всех этих предметов, которые в нашем сознании уже неотделимы от них. Громадные авто времен нефтяного бума и пышная вычурная мебель могут казаться роскошными, но большинство из нас — не персидские шейхи, а обычные горожане конца ХХ в. — живет в окружении удобных и умных вещей, рожденных практичным гением японского дизайна.

Но дизайнеры не хотят ограничи­вать свою деятельность чисто прагматическими целями (рост сбыта това­ра, интенсификация производства, усиление эксплуатации). Дизайн в по­нимании передовых представителей этой области деятельности - в первую очередь средство упорядочения и гармонизации современной предметной среды, создаваемой в условиях индустриального производства.

Думается, что в этой концепции дизайна, делающей упор на гуманиза­цию не техники как таковой, а среды, ею создаваемой, на проектирование, идущее не от техники к человеку, а от человека к технике, много общего с теми особенностями материально-художественной культуры, которые тра­диционно сложились у японцев. В этой культуре никогда не было разделе­ния на материальные и духовные виды искусства, мир всегда представлял­ся пластически целостным. Традиционная японская архитектура, садово-парковое искусство, живопись, предметы ремесел всегда были средством организации предметного окружения человека, и выполнялось это с тем завидным совершенством, которое и сейчас представляется поистине иде­альным

Японские дизайнеры в новейших областях промышленности целенаправленно приближают технические завоевания современности к человеку, легко и гибко приспосабливая их к бытовым процессам. В этом по-своему сказывается традиционное для японской культуры внимание ко всем дета­лям и мелочам предметной среды.

Иногда японские дизайнеры при создании новых промышленных форм прямо используют национальные прототипы. Особенно наглядно это вы­ражается в бытовой посуде, которая и функциями, и пластикой неразрыв­но связана с интерьером, а традиции ремесла органично связываются с со­временными способами производства.

Японский дизайн сохраняет свои уникальные особенности. Он обязан ими классическому искусству своей страны. Восхищение искусством прошлого не становится архаизацией, игрой в старину, даже в ультрасовременной вещи неизменно ощущается как основа, как многовековая культурная традиция.


Литература


1. А.Н. Лаврентьев. История дизайна. – М.: Гардарики, 2006. –с.265-274

2. Д. Кес. Стили мебели. – М.: В. Шевчук, 2001. –с.40-43

3. Н.А. Ковешникова. Дизайн. История и теория. - М.: Омега-Л, 2005. –с. 158-164

4. А.Отеро. Панорама.// Interni. -2008.-№7.-с.22

5. А.Райкин. Японские народные промыслы.// Interni. -2008-09.-№9.-с.16

6. И.Ржанов. Путь самурая.// ArchitecturalDigest. -2008.-№5.-с.76-80

7. М.Ларк. Сегодня на уроке природоведения диван, на котором растут деревья, и стул для плюшевого медведя.// Interni. -2008.-№7.-с.46-47

8. П. Драгунова. Хозрасчет.// Interni. -2008-09.-№9.-с.14-15

9. http://7gnomov.ru/Design/japanesestyle/

10. http://architektonika.ru/tag/kengo-kuma/

11. http://arx.novosibdom.ru/neufert/48/503

12. http://east-asia.ru/archives/category/japanese-interior

13. http://east-asia.ru/archives/category/japanese-interior

14. http://inout.info/publ/4-1-0-60

15. http://kvartirko.com/vzglyad-na-yaponskij-interer-kengo-kuma/

16. http://revolution.allbest.ru/dlt/captcha.cgi?n=23808

17. http://slovari.yandex.ru/dict/bse/article/00074/84200.htm

18. http://www.aprioriart.ru/news/tokujin/

19. http://www.artpages.org.ua/formi/poetika-shiro-kuramata.html

20. http://www.collection-ua.com/_stilj_v_arhitekture_i_iskusstve__0_16_encyclopedia

21. http://www.designstory.ru/news/view/1489

22. http://www.de-viz.ru/tech.html#style

23. http://www.djournal.com.ua/?p=122

24. http://www.erudition.ru/referat/predownload/id.44962_1.html

25. http://www.japantoday.ru/japanaz/d32.shtml

26. http://www.jhdesign.ru/index.php?file=styles.php

27. http://www.myhouse.ru/modules.php?name=News&file=article&sid=622

28. http://www.pokup.ru/?mode=article&type=1&id=369&next=1

29. http://www.salon.ru/article.plx?id=2620

30. http://www.salon.ru/article.plx?id=2620

31. http://www.salon.ru/article.plx?id=2620&parent_id=5581&path=metr

32. http://www.salon.ru/metr.plx?id=3060

33. http://www.salon.ru/metr.plx?id=5752

34. http://www.salon.ru/metr.plx?id=5581

35. http://www.sovinterior.ru/stat1.php?t=23&n=253


Скачать файл (14202.5 kb.)

Поиск по сайту:  

© gendocs.ru
При копировании укажите ссылку.
обратиться к администрации