Logo GenDocs.ru

Поиск по сайту:  

Загрузка...

Экзистенциализм получил свое яркое отражение в разных областях искусства - файл


скачать (80.1 kb.)


Экзистенциализм получил свое яркое отражение в разных областях искусства. Как направление в искусстве, он был своеобразной реакцией на рационализм и интеллектуальность, показывающие нам, что жизнь любого человека гораздо более сложна и запутана, чем мы себе это представляем. Человеческий быт в экзистенциальном искусстве постигается лишь на интуитивном уровне, когда художники представляют нам реальность как процесс переживания, лежащий за пределами нашего опыта. В этих картинах мир рисуется как нечто очень хрупкое и безнадежное. Такой эффект достигается в живописи через депрессивное, пессимистическое сочетание цветов и трагические интонации. Реальность теперь это не реалистический художественный образ, а многозначный символ, который зритель должен сам прочувствовать и разгадать.
Как стиль живописи, экзистенциализм появился в качестве своеобразного противоречия с рациональными направлениями эпохи Просвещения. Первым проявлением экзистенциализма можно назвать импрессионизм, в котором субъективные переживания автора вытесняют общепринятые каноны классицизма и реализма, нацеленные на оптимизацию гражданственности. Далее к нему примыкают такие стили, как: экспрессионизм, сюрреализм, некоторые работы из поп-арта. Особое направление искусства, принадлежащее исключительно экзистенциализму это театр абсурда. Несмотря на то, что экзистенциализм в искусстве появился несколько раньше модернизма, благодаря общей идее, заложенной в философии и живописи, его по праву можно назвать течением модернизма. несмотря на абсолютно разные формы выражения в жанрах живописи и прочих искусствах, все работы экзистенциализма объединены общим смыслом: они представляют реальность алогичной, непонятной и непознаваемой, а, следовательно, неподвластной каким-либо преобразованиям. Наглядным подтверждением этому являются произведения искусства.

Я хочу рассказать вам о том, как экзистенциализм, понятия жизни и смерти, смысл жизни отразились в работах испанского и французского художника, основоположника кубизма Пабло Пикассо

Пикассо начал рисовать с самого детства, первые уроки художественного мастерства он получил у своего отца — учителя рисования Хосе Руиса Бласко, и вскоре сильно в этом преуспел. В 8 лет он написал свою первую серьёзную картину маслом — «Пикадор», — с которой не расставался в течение всей жизни.

В Барселоне в 1895 году Пикассо поступил в школу изящных искусств Ла-Лонха. Пабло исполнилось только четырнадцать, поэтому он был слишком молод для поступления в Ла-Лонху. Тем не менее по настоянию отца он был допущен к сдаче вступительных экзаменов на конкурсной основе. Пикассо с блеском сдал все экзамены и поступил в Ла-Лонху.

В начале октября 1897 года Пикассо уехал в Мадрид, где поступил в Королевскую академию изящных искусств Сан-Фернандо.

В Барселону Пикассо вернулся в июне 1898 года, там он вступил в художественное общество. В Барселоне он сблизился со своими будущими друзьями Карлосом Касагемасом и Хайме Сабартесом, которые впоследствии стали персонажами его полотен.

Остановим свое внимание на друге Пикассо – Карлосе. Это был лучший друг Пикассо и они проводили очень много времени вместе. Однажды, они уехали на Новый 1901 год в Барселону, а затем в Малагу, к родным Пикассо. Однако там Касагемас не переставал изводить его своей любовной тоской по Жермен, и наконец, Пикассо не выдержал, и отпустил его в Париж, а сам отправился в Мадрид, ему нужно было работать, он заключил в Париже договор со своим артдилером Маньячем, что подготовит работы к выставке в парижcкой галерее Воллара. В Мадриде до него доходят известия о смерти Касагемаса. Оказывается, его друг, получив очередную отставку от Жермен, собрал в кафе компанию друзей, произнес прощальную речь и покончил с собой у них на глазах. Сначала он выстрелил в Жермен и, будучи уверенным, что убил ее, выстрелил в себя. Она, однако, увидев направленное на нее дуло, успела упасть под стол, и выстрел ее не задел, зато ранение Касагемаса оказалось смертельным, и через пару часов он скончался. Пикассо был потрясен. Он отпустил друга в Париж одного, зная о его невменяемости, эта смерть могла бы быть предотвращена. Эта вина будет с ним всю жизнь и положит начало «голубому периоду» в творчестве Пикассо. Данные период получил свое название из-за того, что в работах этого времени ярко выражены темы старости и смерти, характерны образы нищеты, меланхолии и печали («Женщина с пучком волос», 1903; Пикассо считал: «кто грустен, тот искренен»); движения людей замедлены, они словно вслушиваются в себя («Ребёнок с голубем», 1901; «Любительница абсента», 1901; «Женщина с шиньоном», 1901; «Свидание», 1902; «Нищий старик с мальчиком», 1903; «Жизнь», 1903; «Трагедия», 1903). В этот период в палитре мастера преобладают оттенки синего цвета. Изнывая от голода и холода в крохотных студиях, Пабло выписывал своих тотально-депрессивных героев: арлекинов, пьяниц и тощих гладильщиц. В поисках персонажей, таких же обездоленных и мрачных, как он сам, Пикассо посещал тюремные больницы, убогие питейные заведения и дома проституток. Потерянные люди за одиноким столиком кафе, с опустошенными не только стаканами, но и жизнями, фигурируют с настораживающей частотой.

Таким образом, именно в «голубом периоде» находит отражение экзистенциализм, понятия жизни и смерти.

Подробно я хочу остановиться на двух картинах «Любительница абсента» и «Жизнь», так как на мой взгляд они наиболее полно отражают экзистенциальный подход.
«Любительница абсента» Пабло Пикассо.

«После первого стакана абсента видишь мир таким, каким хотел бы его видеть. После второго видишь несуществующий мир. И, наконец, ты видишь мир в точности таким, каков он есть, а хуже этого ничего не бывает», - Оскар Уайльд.

Абсент всегда будет ассоциироваться с декадансом 90-х годов XIX века. Пьянство европейской богемы встретилось с пьянством простых рабочих. В абсенте обрели единство богатые и бедные, власть предержащие и угнетенные. Абсентом, как в свое время опиумом, успокаивали маленьких детей, а для женщин он стал одним из символов эмансипации, наравне с короткой стрижкой и курением. Абсент пили и обожествляли, художники увековечивали его в картинах, поэты и писатели в своих произведениях, называя абсент "Зеленой Музой". Считается, что эта работа открыла «голубой» период творчества художника. В это время трудные обстоятельства жизни Пикассо нашли отражение в произведениях, где он не счел нужным изображать веселье, счастье и легкомыслие. Наоборот, были ярко выражены настроения упадка, темы старости, нищеты, смерти, одиночества. Тема одиночества человека в кафе, изоляции и пустоты, не была нова для французского искусства второй половины XIX-го. Но в живописи молодого испанца эта тема приобрела ранее неизвестное чувство драмы. колорит полотна выражается в сочетании синих, коричнево-красных, зеленоватых тонов, в приближении плоскости стены и стола к зрителю, что напоминает о живописи Гогена, напряженность же отсылает к творчеству Ван Гога. Героиня сидит за столом в кафе, на фоне грязно-красных стен, что усиливает ощущение дискомфорта. Подчеркнутая плоскость холста, цвет стен и голубоватый тон мраморного стола, словно сжимают пространство вовнутрь, окружая фигуру и тем самым заключая ее в безнадежном одиночестве. В позе абсентистки, в ее лице мы можем определить черты изгоя: тело ее замкнуто в пространстве, а искажение его правой стороны сродни натяжению пружины. Пикассо специально искажает руки и пальцы женщины, делая их чрезмерно длинными, а плечи более округлыми. На тонких губах запечатлено подобие ухмылки, сарказм, выражающий опустошение и обреченность. Её лицо сосредоточенно, но взгляд устремлен не в пространство кафе и не на рюмку с абсентом. Её мир в себе, в воспоминаниях, в раздумьях, её жизнь в бедности. Это кафе пристанище таких же, как она бесприютных. Им некуда идти, и алкоголь это единственное спасение. Несчастная обхватила себя руками, при этом одна рука больше другой и это будто отрезает фигуру от окружающего мира. Она замкнулась в себе и погрузилась во внутренний мир раздумий. Тут нет, как такового, повествования, нет какого-либо авторского двойного дна, на полотне присутствует лишь один сюжет обнаженный психологический образ.в этой гипертрофированной фигуре женщины, пытающейся защитить себя от всего в этом неуютном мире, Пикассо выразил удивительную по силе драму одиночества и создал обобщенный и вневременной символ трагедии жизни.
«Жизнь»

Когда Пикассо писал эту картину, ему было 22 года, он жил в нищете и постоянных лишениях, что не могло не сказаться на творчестве художника. Полотно было создано в короткий срок, но Пикассо изначально невзлюбил его и закинул в самый дальний угол мастерской.

На первоначальных подготовительных рисунках, человек слева был автопортретом самого художника, но позже он заменил его облик на своего умершего друга Карлоса Касагемаса. Печальная молодая женщина, которая пытается спрятаться за мужчиной – Жермен Гаргалло, возлюбленная покойного друга. Справа изображена другая женская фигура полная скорби – немолодая мать, держащая на руках младенца. Это прообраз матери Пикассо.

Весь сюжет можно разделить на четыре независимые части. Автор пытается соединить в одной работе такие понятия, как рождение и смерть, любовь и одиночество.

Картина повествует о материнской любви, которая сталкивается с чувственной любовью между мужчиной и женщиной. Эмоции на лицах молодой пары рассказывают нам о своем страхе перед жизнью, напоминание о неизбежных страданиях, болезнях и старости в жизни каждого человека. Женщина, находящаяся на заднем плане, обнимается все с тем же мужчиной – он ее будущее или прошлое. На торце раскинулась сгорбленная фигура, образ которой выражает страдания.
Все герои картины находятся в узком, зажатом пространстве, голубые тона оставляют у зрителя впечатление безнадеги и тоски. Полотно пропитано любовью и одиночеством.
На картине изображены жизнь и смерть, быстропроходящая молодость и болезненная старость. Пикассо пытался в своей картине отразить всю драму жизни, истину о трагической человеческой судьбе, сложность отношений между людьми.
Поражает статичность и безжизненность фигур, подчеркнутая голубым холодным тоном. Художник словно изображает мир мертвых, давая своей работе противоречивое название, чтобы выразить свое непростое отношение к окружающему миру.
Атмосфера жутковатой тишины и статичности заставляет публику пережить то состояние неуверенности и скорби, которое составляло мироощущение автора во время создания картины.

Описание: В позе модели видна тревожность и напряжение. Глаза под изящными полукружьями бровей исполнены грусти и печали. Уголки губ скорбно опущены. Лицо красиво, четко прорисованы линии скул. Но лицо лишено симметрии, скошено, словно от какой-то душевной боли и страдания. Единственное яркое пятно – горчично-желтая блузка женщины. Но этот цвет не в силах добавить картине света и жизнелюбия, он лишь вносит свой вклад в общее впечатление тревоги и безысходности, которое остается от картины.


Они как будто показывают, что между ними есть какое-то отчаянное напряжение — объятия прощальные. Что — то обязательно должно случится, как у героев книг Ремарка, и времени осталось совсем мало. Пикассо умел предать простыми красками и совершенно простыми линиями идею этих объятий — лиц не видно, мы смотрим не на них, тем не менее мы становимся свидетелями очень важной сцены. Чувствуется скоротечность и ничтожность жизни, за стенами этой мансарды что — то происходит, но Пикассо не говорит что, позволяя каждому представить свой вариант событий. Например, поэт советского периода — В. Корнилов видел в "Свидании" сопротивление режиму Сталина, а не влюбленных. Сам автор полотна не задумывал его как любовное или протестное. Пикассо писал картину в 1900 году, когда время относительно было спокойны, а на картине изображена сцена в публичном доме в Барселоне, позже он еще написал пару картин этой тематики.
Считается, что ощущение одиночества и отчужденности, бедности и несчастья, которое Пикассо передал в этой картине, перекликаются с его собственным самоощущением в первые годы нового века, который начался с самоубийства его близкого друга, художника Карлоса Касагемаса. Неудачная поездка Пикассо в Париж в конце прошлого года только усугубила его депрессию. Его картины не продавались, он ютился в крайне стесненных помещениях у парижских друзей, он буквально голодал. Он был вынужден вернуться в Барселону, где мог ползоваться поддержкой родителей. И оставался здесь последующие полтора года, в частности, весь 1903 год, когда и была написана Трагедия. Наблюдение за жизнью таких же неустроенных, как и он, обитателей бедных кварталов Барселоны, дает ему сюжеты для его мрачных работ голубого периода.


Скачать файл (80.1 kb.)

Поиск по сайту:  

© gendocs.ru
При копировании укажите ссылку.
обратиться к администрации